Mais l’expression plastique de ce désir de liberté, nourrie d’une même rage d’exister, ne se donne au regard que de manière toujours singulière et prend corps dans des oeuvres très différentes. Holy Destruction est le reflet de cette multiplicité féconde, comme en témoigne avec pertinence la diversité des artistes sélectionnés.
Pour certains, les tableaux ouvrent à l’exploration de terres oniriques. Ici par exemple, dans « Never a dull moment » peint par Fred Kleinberg, l’apparition d’une silhouette, seule dans l’obscurité, fumant une cigarette, acquiert par la couleur à dominante bleue un caractère mystérieux et introspectif. Jouant des traces laissées par le travail d’une matérialité épaisse et du contraste créé entre l’ombre et la lumière, l’artiste joue sur l’aspect fantomatique du personnage dont le visage paraît se dissoudre par endroits. Le travail de Wu Xiaohai est tout aussi suggestif (voir illustration). Il se démarque par la singularité de ses recherches puisqu’il utilise plus particulièrement le fusain sur papier et s’inscrit dans l’héritage d’une tradition chinoise (ces formats s’étendent, tel un rouleau, horizontalement sur plusieurs mètres). « 24 hours daylight » représente une scène particulièrement énigmatique en questionnant de façon très singulière une dimension que l’on pourrait qualifier de « balthusienne » ! Cela passe par l’ambiguïté créée entre le monde de l’enfance et celui de l’érotisme (à quels jeux jouent donc les enfants présents au fond de ce lit démesurément grand ? à quoi pense l’enfant seul allongé, immobile, pris dans ses songes ?). Mais cela vient aussi du fait que la scène, dont l’action demeure indéterminée (et se déroule dans un lieu clos lui-même difficile à identifier), semble suspendue : hors du temps.
De manière plus angoissante, d’autres univers font écho à une forme d’aliénation et d’hybridation de l’individu (à l’heure des nouvelles formes de l’inhumain, à l’heure de la génétique et des mutations du corps en tout genre, comment représenter l’homme ?). Là, ce sera par exemple le « mask » d’Eva Räder dont l’ombre noire désindividualise le personnage en occultant partiellement le visage. La technique employée par l’artiste accentue cette dimension oppressante. Ainsi : le contraste produit entre le caractère schématique de la représentation ou la manière sommaire d’apposer la couleur (froide par ailleurs) et l’effet plus réaliste de certains éléments, figurés dans une manière disons plus « photographique » (tels les yeux). Christina Lama quant à elle donne, dans « Arana », un visage humain à la bête : un énorme cafard. Tandis que, dans la vision noire peinte par Raphaëlle Ricol, la forme humaine est réduite à l’état de chair molle, aux prises avec des « Eoliennes » animées de façon surréaliste et métamorphosées en bêtes dévoreuses.